Fundado en 1986 en Ciudad de México, TEN Arquitectos de Enrique Norten no se conoce por un estilo predominante, pues prefieren diseñar cada proyecto como una respuesta a las condiciones específicas del sitio. Sin embargo, se han convertido en uno de los despachos de arquitectura de México más reconocidos a nivel mundial, con proyectos en distintas ciudades de Norteamérica. En esta entrevista de la serio "City of Ideas", Vladimir Belogolovsky habla con Norten en Nueva York para entender cómo el pasado del arquitecto ha influenciado su trabajo actual de diseño y discutir la trayectoria futura de la arquitectura.
Vladimir Belogolovsky: ¿Qué tan ocupado estas ahora? ¿Sobre qué tipo de proyectos estás trabajando?
Enrique Norten: Afortunadamente, estamos muy ocupados. La mitad de nuestro trabajo es para clientes de instituciones culturales, educacionales y de gobierno. La otra mitad es para clientes privados – desarrolladores y propietarios de viviendas. TEN Arquitectos cuenta con alrededor de 75 a 85 arquitectos entre nuestras dos oficinas en Ciudad de México y Nueva York, desde las cuales trabajamos sobre proyectos en grandes ciudades estadounidenses y ahora en Toronto y el Caribe. Dos tercios del trabajo se lleva desde nuestra oficina en Ciudad de México, donde desarrollamos proyectos en México y Centroamérica.
VB: ¿Podrías hablar acerca de tu relación con México? Tu obra no grita "¡soy mexicano!" ¿De tu parte es intencional ser universal y no identificarte con tus raíces?
EN: Es más complejo que eso. Nací y crecí en México. Me gradué de la Universidad Iberoamericana y me convertí en arquitecto en la Ciudad de México. Después me mudé a Estados Unidos. Fue un momento único. Pertenezco a la primer generación pos-1968. Comencé la Universidad en México en 1972. Había mucha energía, mucho cuestionamiento... Por mucho tiempo México había sido un país cerrado. Nadie miraba hacia afuera, no solo en la arquitectura sino en todos los aspectos de la vida y cultura. Pero siempre me preguntaba qué pasaba afuera. Siempre fui muy impaciente. Nunca pertenecí al establecimiento de la arquitectura. Crecí en una familia de clase media donde ambas partes venían de Europa. Entonces culturalmente, era muy abierto.
VB: Estudiaste en Cornell, graduándote en 1980. ¿Por qué Cornell?
EN: Por dos motivos. Primero, era un gran momento de pensamiento en Cornell, dirigido en ese entonces por el historiador Colin Rowe quien exploraba ideas acerca de la ciudad y el arquitecto racionalista Mathias Ungers. La segunda razón es que es un lugar bello y bucólico. Era un mundo lejano al que siempre conocí, una enorme e intensa ciudad que es lo opuesto a un paisaje abierto... Colinas, ríos y lagos... Un lugar absolutamente hermoso, como nada que había visto antes. Entonces cuando decidí irme por dos años, fue un buen lugar para pensar sobre arquitectura y reflexionar sobre muchas ideas.
No fue intencional que no me identificara con México pero, en el momento, teníamos dos corrientes de pensamiento. Una fue liderada por Luis Barragán, Ricardo Legorreta y muchos más que se oponían al funcionalismo puro y buscaban crear arquitectura emocional y serena con el uso creativo de la luz y el color. Y la otra dirección fue un tipo de arquitectura neo-brutalista liderada por arquitectos como Teodoro González de León y Abraham Zabludovsky. Yo diría que su arquitectura se inclinaba hacia un precedente precolombino. Entonces estas dos direcciones se entendían como arquitectura mexicana. Mi generación no creía en estas limitantes. Quizá eso tenga que ver con nuestra naturaleza rebelde y el romanticismo que estaba en el aire en aquél entonces. Sabes, el arte mexicano no es solamente Diego Rivera y Frida Kahlo. Fueron grandes artistas, pero representaron su tiempo y sus ideas. Entonces yo no estaba cómodo siguiendo a alguien. Quería encontrar mi propio espíritu. Y lo encontré en las enseñanzas de tanto Rowe como Ungers. Eso fue el comienzo y después, por supuesto, me tomó décadas encontrar mi vocabulario y refinarlo.
VB: ¿Qué reflexiones te quedan de lo que aprendiste de Rowe y Ungers en Cornell?
EN: Ambos fueron mis mentores. Por cierto, Cornell estaba muy dividido – eres o Rowe o Ungers, pero yo aprendí de ambos. Tomé el taller de diseño de Ungers y me reunía con Rowe socialmente, pero Colin fue el tipo de persona que todo lo ve socialmente. Nos reuníamos en su casa en esos tiempos. Lo que aprendí de él fue nunca ver la arquitectura como separada de la ciudad, y también la historia se volvió muy fluida para mí. Antes, veía a la historia como algo aburrido, una secuencia de eventos casi aritméticos, pero él me hizo verlo como una condición completamente entrelazada y relacionada entre sí. Ungers fue un arquitecto muy racional y brillante con estrictas reglas en cuanto a la geometría y el orden. Nos enseñó llevando concursos reales al taller, muchos proyectos residenciales en Europa. Incluso ganamos algunos. [Risas.]
VB: ¿Qué opinas acerca de la arquitectura contemporánea en México?
EN: Es buena, hay muchos arquitectos muy fuertes trabajando en México actualmente. Tuvimos un movimiento Moderno fantástico después de la Segunda Guerra Mundial, cuando muchas arquitectos europeos se mudaron a México y otros países Latinoamericanos. Hubo un florecimiento impresionante de arquitectura moderna. Entonces tenemos una tradición muy fuerte en arquitectura y ahora está siendo re-evaluada. En el pasado, se ignoraba a nivel internacional. Los arquitectos en México hoy son muy diversos y sus inspiraciones vienen de todo el mundo. Entre nuestros arquitectos más importantes, nombraría a Alberto Kalach, Michel Rojkind y Fernanda Canales.
VB: Ya que estudiaste tanto en EU como en México, me interesa saber tu opinion acerca de cómo ambas escuelas y sistemas de educación se comparan.
EN: Son completamente distintas... Las escuelas en México como en Europa son más técnicas. En México, te gradúas y eres un arquitecto. En EU, no te conviertes automáticamente en arquitecto. Necesitas experiencia, pasar exámenes profesionales, y más. Entonces salí de una universidad mexicana con una muy buena educación técnica. Sabía de construcción, materiales, y todo eso. Pero era muy débil en los aspectos humanísticos de la arquitectura. No tuve oportunidades de pensar sobre arquitectura, teorizar, interpretar su historia, cuestionar sus muchos aspectos. Cornell me abrió muchas puertas que yo ni siquiera sabía que existían. Y cuando me salí de Cornell nunca me fui realmente. Siempre tuve una relación muy fuerte con el mundo académico y pronto, me pidieron dar clases en distintas partes de Estados Unidos. Tras unos 15 años de dar clases, publicaciones internacionales frecuentes, y uno que otro concurso ganado, me empezaron a buscar clientes aquí. Entonces fue inevitable que extendiera mi práctica a EU, lo cual me llevó a abrir mi oficina en Nueva York en el 2000.
VB: En 2012, David Chipperfield eligió el tema "Terreno Común" para la Bienal de Venecia. Fue un reconocimiento de que ya no existe tal cosa. De no ser así, ¿por qué el director de un foro de arquitectura internacional propondría esta pregunta? Aún así, ¿dirías que te consideras parte de una escuela o movimiento arquitectónico particular, o estas respondiendo tus propias preguntas y desarrollando tu propia arquitectura, moviéndote en tu propia dirección?
EN: No estoy seguro de que no exista el terreno común... Creo que, una de las cosas que todos están haciendo ahora es reinventar el modernismo a su manera. Algunos arquitectos no admitirían esto, pero todos estamos buscando inspiración en la obra de los grandes maestros del Modernismo. Y luego, por supuesto, las cuestiones del ambiente natural, ambiente urbano, inclusión social... los arquitectos hoy en día tienen mayor responsabilidad que nuestros predecesores. Todos estos son nuestros intereses comunes.
VB: Bueno, por supuesto que todos estamos convergiendo ahora para prestarle atención a estos problemas. Pero hablo de los aspectos formales de la arquitectura. ¿Tenemos un terreno común formal?
EN: Pues en ese sentido somos muy diversos... Pero eso no me preocupa ahora. Estoy buscando mi propia manera de hacer arquitectura y, en un futuro, alguien como tú nos analizará a todos nosotros y estoy seguro que algunas ideas en común encontrará.
VB: ¿Pero no crees ser parte de un grupo particular de pensadores que se asemejen a ti ideológicamente o experimentalmente?
EN: No lo creo. Creo que esa época romántica de manifestos heroicos ya no existe. No me imagino siendo invitado a una reunión en donde tendríamos que pensar en diez principios para una nueva arquitectura. Eso ya no existe... Por ejemplo, hoy cenaré con Thom Mayne. Esta semana cené con Steven Holl. Somos amigos.
VB: ¿Hablan de arquitectura?
EN: Seguro.
VB: ¿Discuten?
EN: En ocasiones. Pero de manera casual. No nos contradecimos. Nos atraen ciertos proyectos y nos desaniman otros. ¿Eso quiere decir que somos parte de un grupo consolidado? Por supuesto que no. No pertenecemos a grupos ni necesitamos manifiestos.
VB: Aaron Betsky dijo que tu obra representa su propia marca poética de Modernismo. ¿Qué opinas de esa idea?
EN: Bueno, es muy generoso de Aaron decirlo. Soy un gran creyente del Modernismo. Me gusta ver el Modernismo con la creencia y convicción de que aún no lo ha dado todo. Debemos continuar buscando nuevas posibilidades, reponsabilidades y oportunidades dentro del Modernismo. Hay un largo camino por delante y, de cierta manera, todos estamos haciéndolo.
VB: Para reforzar tu punto, en una de tus entrevistas dijiste, "Todos estamos basando nuestra obra en el vocabulario del siglo pasado, el vocabulario que formó la arquitectura Moderna." ¿Qué hay de paramétricas y otras nuevas posibilidades de hacer arquitectura – cómo respondes a esas fuerzas?
EN: Obviamente, hay tantas nuevas maneras de hacer las cosas, entender el espacio y modelarlo. Todos estos descubrimientos nutren fuertemente nuestro trabajo. Pero personalmente, yo ni siquiera sé utilizar esas herramientas digitales nuevas. Y probablemente soy el único en mi oficina que no puede utilizarlas. Pero en resumen, mi influencia más grande es la de los padres del Modernismo.
VB: En otras palabras, comienzas trazando algunas líneas sobre un pedazo de papel. Comienzas de cero en lugar de responder a algún tipo de imagen auto-generada en una pantalla.
EN: No hacemos eso aquí. No sé cómo...
VB: Cada proyecto comienza con tu propio bosquejo.
EN: Sí.
VB: ¿Hay algún proyecto en particular que calificarías como tu manifiesto?
EN: No lo creo. Cada proyecto informa al siguiente. Hago referencia a proyectos pasados todo el tiempo porque sucede que muchas veces no puedes llevar ciertas ideas o estrategias a su potencial máximo, entonces las re-visitas en proyectos futuros. Hemos hecho más de 300 proyectos, 50 construidos, entonces hemos desarrollado una base de datos enorme que utilizamos como referencia para avanzar.
VB: ¿Tienes algún edificio contemporáneo favorito?
EN: No, no podría nombrar solo uno. Nos interesan un número de oficinas que seguimos.
VB: ¿Podrías nombrar a un arquitecto que admiras más que a otros?
EN: Hay muchos. La mayoría de los que sigo son mis amigos.
VB: Cuando dices que los sigues, ¿te refieres a visitar sus obras?
EN: Claro, las visitamos juntos. Ya mencioné a Thom Mayne y Steven Holl. Visitamos nuestros edificios todo el tiempo.
VB: ¿Qué hay de Hadid y Gehry?
EN: Los conozco bien. Pero me interesa poco su trabajo.
VB: ¿Crees que su obra es rimbombante?
EN: Creo que rimbombante es una buena palabra.
VB: ¿Y Mayne es menos rimbombante?
EN: Es más racional. Mira, acabo de ver la Fondation Louis Vuitton en Paris de Gehry. La aprecio, pero no me interesan las obras que se construyeron tras la recesión y que demuestran tal extravagancia... Finalmente, ¿qué traen a la arquitectura?
VB: No sé, ¿quizá un sentido de aventura?
EN: Y sorpresa. Y espectáculo.
VB: Lo fascinante es que no hay fin en este anhelo por arquitectura. Hay una gran demanda de inventar nuevos tipos de experiencias.
EN: Sí, es extraño. La arquitectura se ha vuelto un destino. Pero no creo que lo más extraño sea lo mejor. No creo que tengas que hacer la cosa más extraña, la más inesperada para lograr crear buena arquitectura. Ve el trabajo de Renzo Piano y David Chipperfield. Son arquitectos muy buenos y responsables que no basan su trabajo en el elemento de sorpresa. Esa es una buena pregunta – ¿cómo puedo hacer algo que nunca se haya hecho antes? Creo que muchos arquitectos muy brillantes están cayendo en esta trampa de constantemente superar lo que han hecho antes y lo que han hecho los demás. ¿A dónde lleva eso y dónde termina? Cuando visitas un edificio de Piano obtienes una experiencia enriquecedora de algo que es muy restringido y sencillo, como su bella Menil Collection en Houston. La arquitectura no es una competencia de objetos extraños.
VB: Tu proyecto del Museo Guggenheim en Guadalajara que ganó una competencia internacional en el 2005 fue una torre alta con galerías flotantes. La idea del edificio fue ocupar la mínimo huella de desplante. ¿Podrías hablar acerca de la organización vertical de este museo?
EN: La solución radicó en una forma de apilados sólidos y vacíos, o sea, galerías cerradas y espacios entre las galerías con varias oportunidades para exhibir arte en maneras poco tradicionales. Es como una colección de pequeños museos dentro de un gran museo, un paisaje vertical dentro de la estructura.
VB: ¿Con qué palabras describirías tu obra?
EN: Espacio público, que son los vacíos dentro y alrededor de la arquitectura. Paisaje. Topografía. Infraestructura. Entonces es arquitectura como espacio público. Arquitectura como paisaje. Y arquitectura como infraestructura. Quiero que la arquitectura deje de preocuparse por la forma y el objeto y se enfoque en la creación de espacio público.
VB: Pero tu museo en Guadalajara es un objeto, ¿cierto?
EN: Sí, un objeto en un paisaje prístino. Ahora estamos terminando un proyecto mucho más grande, que es lo opuesto y trata totalmente de paisaje y topografía. Es el nuevo Palacio Municipal de Acapulco, que reúne a muchas agencias de la ciudad en un solo edificio, integrando varios departamentos a través de espacios públicos y compartidos. Es interesante contrastar estos proyectos tan distintos, demuestra que cada proyecto lleva a distintas soluciones.
VB: Hay mucho énfasis ahora en cuestiones de atmósfera en lugar de objeto, cuestiones de conectividad más que de autonomía. Personalmente, creo que una no debe excluir a la otra. Por ejemplo, el Museo Whitney de Renzo Piano trata totalmente de la atmósfera. La arquitectura se desvanece por completo. ¿Qué opinas de esto y cómo encuentras un balance entre crear una atmósfera y un objeto distintivo?
EN: Es un gran tema en la arquitectura actualmente. He visitado en varias ocasiones este edificio y tienes razón. Es una gran experiencia, pero cuando te vas, no puedes recordar la arquitectura. Aún así, para mí lo que funciona de este edificio es la planta baja. Se integra totalmente a la ciudad – la plaza, el High Line, el río, el restaurante, la librería, el lobby... Se vuelven parte de la ciudad. Y, personalmente, me interesa más la experiencia que el objeto. Al principio, me interesaba más el objeto. Pero qué es más importante para las personas que visitan una ciudad – ¿llevarse con ellos esa forma icónica que nunca olvidarán o la experiencia única? Me gusta el tipo de arquitectura que enriquece nuestra experiencia. Estoy de acuerdo con que el Whitney no es el Menil, pero se requiere de la destreza de un arquitecto tan brillante como Piano para brindarnos estas nuevas maneras y oportunidades de ver la ciudad, responder al arte, socializar... Formalmente, pudo haber hecho mejor trabajo, pero las oportunidades están ahí y son únicas. Antes no existían.
VLADIMIR BELOGOLOVSKY es fundador del Curatorial Project sin fines de lucro con sede en Nueva York. Arquitecto por Cooper Union en Nueva York, ha escrito cinco libros, entre ellos Conversations with Architects in the Age of Celebrity (DOM, 2015), Harry Seidler: LIFEWORK (Rizzoli, 2014) y Soviet Modernism: 1955-1985 (TATLIN, 2010). Entre sus numerosas exposiciones se encuentran: Anthony Ames: Object-Type Landscapes en Casa Curutchet, La Plata, Argentina (2015); Colombia: Transformed (American Tour, 2013-15); Harry Seidler: Painting Toward Architecture (gira mundial desde 2012); y Chess Game for Russian Pavilion at the 11th Venice Architecture Biennale (2008). Belogolovsky es el corresponsal estadounidense de la revista de arquitectura SPEECH, con sede en Berlín y ha dado conferencias en universidades y museos en más de 20 países.
La columna de Belogolovsky, City of Ideas, presenta a los lectores de ArchDaily sus últimas y actuales conversaciones con los arquitectos más innovadores de todo el mundo. Estas conversaciones íntimas forman parte de la próxima exposición del curador con el mismo título, que se estrenó en la Universidad de Sydney en junio de 2016. La exposición City of Ideas viajará por todo el mundo para explorar el contenido y el diseño en constante evolución.
